The Artistic Language of JULIEN PORISSE

In the seminal work by Anton Ehrenzwieg, a lecturer in art at Goldsmiths College, London, The Hidden Order of Art  (1967) he describes the dynamic mental processes which an artist undergoes in the creative act and the role the unconscious mind plays in this process.
This is especially true in the process of creating abstract works such as those created by the artist Julien Porisse. This creative process often results in the development of a new visual language and often requires a new means of interpreting that visual language in order for it to be fully understood and appreciated.
This new language often drawn only from the artist’s imagination and consisting of simply symbols, concrete forms and colours is frequently seen as mediocre or childlike in execution and the representations facile or awkward merely because they do not tell a story [iconography] that the viewer can easily understand. 
The  German art historian Wilhelm Worringer, addresses the issue of viewer response to an artwork in his 1908 essay Abstraction and Empathy. For example, the viewer response when looking at a Cezanne still- life painting would be the emotion of empathy because of the familiar objects within the composition…
images already in their memories and experiences of an apple and an orange. Conversely, the viewer may experience a feeling of chaos when faced with abstraction…simple geometric forms of lines, circles and intersecting planes with no such familiar memories or emotions to refer to and no story to tell.
This is a dilemma many abstract painters face and they must go within themselves to overcome. For Worringer abstraction is the first real expression of artistic will. 

Artistic will defines the practice of Julien Porisse. His works are a visual autobiography culminating in the concrete forms and luminous surfaces  which inhabit his current paintings, collages and constructions.  But even what may seem as the simplest work of art to some has its complexity,
however bare its construction may appear on superficial scrutiny. So, it is fascinating to examine what is the hidden order of art in Porisse’s abstract works and how he reconciles the chaos of abstraction bringing order to the seeming disorder.
For Porisse. ‘there is nothing worse than common abstraction …paint here and colours there…no soul, no reason, empty…sometimes I think a single colour is amazing or a Rothko that causes you to imagine the story.

Julien Porisse began his early life as a young figurative painter, the son of an accomplished French painter and Irish mother living in Montmarte, Paris. He was trained formally both in France and England and his later years have been spent travelling between Paris and his second home in Sao Paulo, Brazil.
In the ensuing time he has  developed his strong yet contemplative geometric style of painting influenced by his multicultural experiences and surroundings .
One may consider his style falls somewhere between the Neo-Concrete Movement  popular in Brazil between 1959-61 with Grupo Frente in Rio de Janiero and artists such as Lygia Clark and Helio Oiticica members…
it was popular because of its non-political message of rationalism which does not connote meaning outside of what it is…and the Lyrical Abstraction of France in the sense of a lyrical style moving away from the Cubist and Surrealist movements which preceded it and away from totally geometric or cold abstraction and towards the lessons learned from Kandinsky, where abstraction represented an opening to personal expression. 

Porisse says, ‘I am influenced firstly by my surroundings. This sets the colours and luminousity of my work. For instance in Paris my colours are more earthy, darker, not as luminous but more in contrasts and clashes, oppositions instead of complementary. Then, there is subconscious imagery. Anything from derelict buidings to a cluster of palm trees. These are immediate influences. The secondary influences come from art I have seen and that trigger something. Pierre Soulages and the reflection of light in his canvases or looking at a Jasper Johns flag painting and finding his hidden letters that emerge from under the wax and paint not fully revealed. Let’s say I am a post – concretist with a French touch.

However, even though an admirer of many contemporary artists and masters such as Cezanne and Van Gogh he states ‘the past must be avoided but the influences are always there so maybe just renewed is a better way of looking at it. The object, the subject, the style do they matter anymore? Is painting dead?’ Well, Porisse’s paintings and collages are certainly not dead and in his current work what matters is the paint, the tactile surface, how it is applied and how it speaks to him through texture, light and confrontation of forms. Light and colour are central to his work and perhaps the importance of light in his work can be partially explained by the experience he had as a young boy of 6 when he had an accident on a farm in Ireland and lost the vision in his left eye. When 12 years old the right eye began to fail as well and for six months in 1974 he was blind He could not go out of doors because the light was too strong and he had to be gradually brought back into the light. This trauma manifests itself in his work as targets in concentric circles charged with the vibrant colours of his palette. Sonia Delaunay, who is also an inspiration for  Porisse, called her forms in Orphist works, electric prisms’ from the light beams of Parisian lamps.  Orphists aimed to dispense with recognizable subject matter and to rely on form and colour to communicate meaning a lesson Porisse has taken to heart.

Today Porisse’s eyesight is fine in his right eye, but his conflict with realism and abstraction does play with his mind. On the other hand this metamorphosis of an idea from reality to abstraction also invigorates his imagination and thus his expands the scope of his work. He usually begins without anything more that a general idea taken perhaps from a shocking incident or a beautiful vision of nature. He starts usually with one colour and always puts on no more than two or three areas ( as one would approach a realistic painting like the sky, the ground or the shade) then he does a structure for the work in dark grey, just like shadows for buildings, then adds curves, targets, and marks which have a particular significance to planes wings or fuselages which fascinate him…The background is the last things he paints sometimes leaving marks and little smudges to give life to the work and move away from totally hard edge abstraction. This is the gesture of the artist, the physical mark that the creator of the work was there sensitively and intuitively adding his ‘signature’ of sorts. 

The result of Porisse’s act of will is a body of work which is at the same time completely personal drawn from his life experiences and training and universal in its appeal as object of great beauty filled with compositional harmony and juxtapositions of colours which take the eye on a journey in and out, around and about the canvas. There is ambiguity enough to engage every viewer on this journey to find out what his idea/image may have been. Can they discover the meaning in this visual language or does it really matter if they can enjoy it on another level without meaning? This is precisely what appreciation of abstract art and the work of Porisse requires, time to take a proper look. Don’t ask questions just enjoy the trip. Metamorphosis is the name of the game and the prize awarded to the winner is the living, often joyous harmony that radiates and resonates from the resulting picture.

Sandra Higgins
Independent Art Advisor and Curator
London, United Kingdom
August 2016

Na obra seminal de Anton Ehrenzwieg, professor de arte na Goldsmiths College, em Londres, A Ordem Oculta da Arte (1967), ele descreve os processos dinâmicos na mente de um artista no ato criativo e o papel do inconsciente nestes processos. Isto se verifica na criação de obras abstratas, tais como aquelas do artista Julien Porisse. Este processo de criação resulta no desenvolvimento de uma nova linguagem visual e requer uma nova forma de interpretar a mesma, para ser bem compreendida e apreciada. Produto da imaginação do artista usando apenas símbolos, formas concretas e cores, esta nova linguagem é vista, frequentemente, como medíocre ou infantil em sua execução e as suas representações simplórias, por não contar uma história (iconografia) que o espectador compreenda facilmente. 

O historiador de arte alemão Wilhelm Worringer aborda a questão da resposta do público em relação às obras de arte em sua dissertação de 1908, Abstração e Empatia. Por exemplo, a resposta do público ao olhar para uma natureza morta de Cézanne seria de empatia, por causa dos objetos que lhe são familiares dentro da composição, como uma maçã ou uma laranja. Já diante de uma abstração o espectador pode experimentar uma sensação de caos... formas geométricas simples de linhas, círculos e a interseção de planos sem memórias familiares como referência, e nenhuma história para contar. Esse é um dilema de muitos pintores abstratos, que só podem contar consigo mesmos para vencê-lo. Para Worringer, a abstração é a primeira verdadeira expressão da intenção artística. 

Intenção artística define a prática de Julien Porisse. Suas obras são uma autobiografia visual, culminando nas formas concretas e superfícies luminosas que habitam suas atuais pinturas, colagens e construções. Mesmo o que possa parecer um trabalho mais simples de arte para alguns tem a sua complexidade. E é fascinante examinar o que é a ordem oculta da arte nos trabalhos abstratos de Porisse, e como ele harmoniza o caos da abstração, trazendo ordem à aparente desordem. Para Porisse, não há nada pior do que a abstração comum (...) sem alma, sem motivo, vazia ... às vezes uma única cor pode ser incrível ou um Rothko, que te faz imaginar a história.

Julien Porisse começou na adolescência como um jovem pintor figurativo, filho de um pintor francês talentoso e de mãe irlandesa, vivendo em Montmartre, Paris. Formado tanto na França quanto na Inglaterra, tem passado seus últimos anos em viagens entre Paris e a sua segunda casa, em São Paulo. Desenvolveu um estilo geométrico de pintura, forte ainda que contemplativo, sendo influenciado por suas experiências e ambientes multiculturais. Pode-se considerar que seu estilo esteja entre o movimento neoconcreto, popular no Brasil entre 1959-1961 com o Grupo Frente, no Rio de Janeiro, de artistas como Lygia Clark e Hélio Oiticica (popular devido a seu racionalismo apolítico, não sugestionando significados ulteriores), e a abstração lírica da França, no sentido de um estilo lírico que se distancia dos movimentos cubistas e surrealistas que o precederam, e longe da abstração totalmente geométrica ou fria, seguindo as lições aprendidas com Kandinsky, vendo a abstração como abertura para a expressão pessoal. 

Porisse diz: Eu sou influenciado primeiro por aquilo que me rodeia. Isso define as cores e a luminosidade do meu trabalho. Em Paris, por exemplo, minhas cores são mais terra, mais escuras, não tão luminosas mas com mais contrastes e choques, cores opostas ao invés de complementares. E depois vêm o subconsciente imagético. Qualquer coisa, desde prédios abandonados até um conjunto de palmeiras. Estas são as influências imediatas. As influências secundárias vêm da arte que vi, e que desencadeiam algo em mim. Pierre Soulages e o reflexo da luz em suas telas ou, ao olhar para uma bandeira de Jasper Johns, encontrar cartas ocultas não totalmente reveladas, emergindo da cera e da tinta. Digamos que eu seja um pós-concretista com um toque francês.

Mesmo sendo um admirador de muitos artistas contemporâneos e de mestres como Cézanne e Van Gogh, ele afirma que o passado deve ser evitado, mas as influências estarão sempre lá e talvez o melhor modo de tê-las é modernizando-as. O objeto, o sujeito, o estilo, que importância eles têm? A pintura morreu? Bem, certamente as pinturas e colagens de Julien Porisse não estão mortas e em seu trabalho atual o que importa é a tinta, a superfície tátil, como ela é aplicada e de como ela interage com ele através da textura, da luz e do confronto das formas. Luz e cor são fundamentais para o seu trabalho e, talvez, a importância da luz para ele venha da experiência que teve quando era um garoto de 6 anos, ao sofrer um acidente em uma fazenda na Irlanda, e perder a visão do olho esquerdo. Em 1974, aos 12 anos de idade, seu olho direito começou a falhar também e ele ficou cego por seis meses. Não podia sair de casa, porque a luz era muito forte, e teve que ser trazido aos poucos de volta para a luz. Este trauma manifesta-se em seu trabalho através de alvos em círculos concêntricos, carregados das cores vibrantes de sua paleta. Sonia Delaunay, também uma inspiração para Porisse, chamou seus trabalhos orfistas de prismas elétricos dos feixes de luz dos postes parisienses. Os orfistas dispensavam temas reconhecíveis e confiavam na forma e na cor para transmitir significado, lição que Porisse levou a sério.

Hoje em dia, Porisse enxerga bem com o olho direito, mas o conflito entre o realismo e a abstração ocupam sua mente. Por outro lado, sua imaginação é revigorada na metamorfose de uma ideia de realidade até a abstração, expandindo, assim, o escopo de seu trabalho. Muitas vezes ele começa sem nada além do que uma ideia geral, vinda talvez de um incidente chocante ou de uma visão bela da natureza. Inicia com uma cor e utilizando somente duas ou três áreas (como alguém começaria uma pintura realista, com o céu, o solo ou a sombra), em seguida, ele cria uma estrutura para o trabalho em cinza escuro, como se fossem sombras para edifícios, então adiciona curvas, alvos e marcas que tenham um significado especial para ele... asas de avião ou fuselagens que o fascinam... O fundo é a última coisa que ele pinta, às vezes deixando marcas e pequenos borrões, para dar vida ao trabalho e afastar-se da abstração totalmente rígida. Este é o gesto do artista, a marca física de que o criador da obra estava lá, sensível e intuitivamente, acrescentando seu tipo de "assinatura". 

O ato de intenção de Porisse resulta num conjunto de obras ao mesmo tempo completamente pessoais, retiradas de suas experiências de vida e de sua instrução, e universais em seu apelo como objeto de grande beleza, preenchidas com harmonia de composição e justaposições de cores que levam o olho a uma viagem para dentro e para fora, ao redor e sobre a tela. Há ambiguidade de sobra envolvendo cada espectador nesta viagem de descoberta de uma possível ideia/imagem. Será que irão descobrir o significado nesta língua visual ou isso realmente importa, se a apreciação pode ocorrer em outro nível, sem significado? Isto é justamente o que se exige ao se apreciar a arte abstrata e o trabalho de Porisse, tempo para se dar uma olhada adequada. Não faça perguntas e apenas desfrute a viagem. Metamorfose é o nome do jogo e o prêmio do vencedor é a harmonia alegre e viva que irradia e ressoa da imagem resultante.

Sandra Higgins é conselheira de arte independente e curadora em Londres, Reino Unido.

De l’héritage à la renaissance
Julien Corcoran Porisse est né le 4 Avril 1962 à Glossop (Royaume-Uni) d’un père Français, peintre et d’une mère Irlandaise. Son enfance et son adolescence ont été marqués par la peinture et la vie montmartroise à l’image d’un père perfectionniste et travailleur, galeriste de son état et ne comptant pas les heures de travail.
La peinture était devenue subsistance. Le métier exigeant et nourricier de cette paternité presque par trop autoritaire très tôt profita au jeune peintre qui dès son enfance bénéficia de la meilleure éducation et des meilleurs collèges en Angleterre pour ensuite dès 1981 entrer au Leicester Polytechnic Art Foundation.
Il en sorti diplômé et fut admis par la suite à la prestigieuse Ecole Nationale des Beaux-arts de Paris en 1984. Il décida ensuite six mois plus tard d’en sortir comprenant très vite que l’enseignement que lui prodiguait la noble institution serait inadapté à son art et à son environnement artistique
Comment envisager d’apprendre la peinture alors même qu’il était déjà peintre du fait de son père et de Mr John Satterswaithe, enseignant à Leicester et qui tout deux furent à la base de son apprentissage et à la source d’une expérience artistique déjà étonnante et riche de très nombreux univers picturaux ?
Le jeune novice décida de voler de ses propres ailes et prit la décision de se consacrer entièrement à la peinture, vivre de sa peinture tel était son rêve.
L’idée malheureusement devint saugrenue 2 ans plus tard. Les illusions étaient tombées. Le deuil était survenu. Julien Corcoran Porisse entra dans les affaires.

Il fallu finalement les encouragements de son frère Liam 22 ans plus tard pour enfin lui faire renoncer à cette vie qui n’était pas la sienne. Une vie à moitié manquée ou regrets et désillusions étaient devenus presque légions provoquaient en lui beaucoup d’amertumes.
Certes, l’homme avait indéniablement réussi dans les affaires mais au prix de quel renoncement, à quelles insurmontables contraintes l’artiste bien malgré lui se résignait à en accepter le tribut ?
Son esprit, son corps ne purent pas résisté bien longtemps à ce raz de marée d’énergies créatrices trop longtemps mises sous le boisseau et empreintes de frustrations.
Irrésistiblement Julien Corcoran Porisse était presque poussé par des forces indiciblement profondes et liées à sa vraie nature : l’art et un amour inassouvi pour la peinture. Sa vie peu à peu changeait.L’héritier était devenu le phénix de sa propre renaissance
Julien Corcoran Porisse partit rejoindre son frère Liam au Brésil. Ils ouvrirent un studio et décidèrent ensemble de se consacrer entièrement à la peinture.
Que dire de cette peinture tellement abstraite ?

L’artiste délivre un message sur le devenir d’une expérience renouvelée, intrépide et charnelle : une tragédie collective : AF447 - 228 souls, le crash du vol Air France Rio-Paris survenu le 31 mai 2009 au large des côtes brésiliennes, un passé plus personnel empreint de douleurs et d’amertumes :
With 1 Eye, My 3 Fears mais aussi la ville de New York : New York Spirit ou Chinatown NY, l’urbanisme et l’architecture : Concrete City, City Rain ou Urbanity mais aussi des sujets liés à la nature : Reeds in the wind, Forest Fire, Tropical ou Big Bang.
Le peintre inaugure un langage corporel et inédit, propre à son engagement artistique sur la vie et son environnement médiat et immédiat.
La palette des couleurs est indéniablement originale. Elle envisage une symphonie de couleurs propre au « colorfield painting » de Ad Reinhardt. L’artiste décrit une sensibilité typiquement brésilienne liée à son expérience de vie anglo-saxonne et un vécu d’artiste empreint d’un passé familial parfois tourmenté mais indissolublement lié à ses multiples expériences dans le figuratif et le dessin.
Au-delà de la couleur, le profane comme le critique d’art admire la planéité de la surface et de l’expression artistique abstraite. Julien Corcoran Porisse associe un travail complexe à des surfaces importantes larges et lumineuses associant sa perception des formes et des contours à des matières comme l’huile par aplats ou à travers le pinceau et la brosse.

Depuis peu à Paris et de retour du Brésil, il exposa notamment à la New York Gallery à Sao Paulo ainsi qu’à la SP-ARTE Edificio Biennale en 2010. Fier de son expérience sud-américaine et de ses rencontres, il put d’ailleurs là-bas connaitre la peinture de Rodolfo Parigi. Julien Corocoran Porisse, l’héritier à l’image peut être de l’une de ses nombreuses références artistiques : Joan Mitchell, peintre américaine qui s’installa à Paris dès 1955 ; envisage un retour aux sources, espérant peut être retrouver en France le souvenir d’un père disparu et ses première expériences picturales parisiennes.
Julien Corcoran Porisse dans son nouvel atelier place Adolph Max, reclus et contemplatif comme le furent en leur temps, Jackson Pollock et Robert Motherwell, deux grandes figures de l’art dont il ne cesse de puiser en eux une inspiration cultuelle et édificatrice, voue ses journées à la peinture et à la création picturale.
Ce retour aux sources commença d’abord par un drame, un passé douloureux ressurgit et c’est la perte d’un être cher que l’artiste décrit dans Little Sister, cette sœur récemment disparue des suites d’une longue maladie.
Nul doute que l’événement tragique va donner à une intense et délibérée recherche créatrice et que l’héritier devenu prodige va très probablement époustoufler et émerveiller un public déjà averti et militant en faveur de la renaissance de son art et qui jusqu’au départ des plus grands maitres expressionnismes abstrait est à ce jour sans comparaison : une affaire à suivre, nul doute que la famille Corcoran Porisse nous livrera ces prochains mois quelques autres surprises, un Corcoran Porisse pourrait il en cacher un autre ?

Exposition du 14 mars au 17 avril 2012
"SPIRIT DIGGERS" Blast Gallery, Paris

Julien Porisse ne cesse de revendiquer l’influence de l’expressionisme abstrait sur sa peinture contemporaine. Comme lui, les artistes de la nouvelle figuration abstraite ne cessent de dénoncer la destruction permanente de l’art pictural et de la peinture sous le couvert du modernisme abstrait et conceptuel. Ils posent un regard libre et dépassent les modes du moment.
Ils déconstruisent pour mieux reconstruire la nouvelle narration picturale et l’expression abstraite.
L’artiste arrachent à la sacro-sainte critique une vérité plus profonde, aux évidentes et trompeuses apparences, aux images dénuées de sens et indécentes, Julien revitalise l’art et redonne à la beauté de la peinture : ses lettres de noblesse d’antan.
L’ordre voulu par la société devient l’architecture du semblant. Il ne cessent de remettre davantage en cause la peinture traditionnelle sur l’autel de la marchandisation des sens et du concept métaphysique.
Dans sa quête du sens, l’exposition Spirit Diggers utilise un langage douloureux et ironique, elle démantèle une nouvelle fois le postulat d’un concept plastique opportun.
Tales of Brooklyn pour Julien, est la dénonciation de l’ordre établi et régulant à outrance des libertés picturales de l’artiste.
Les nouvelles séries présentées au sein de la galerie appartiennent à la période 2010-2012, elles sont brésiliennes ou françaises mais dénoncent la culture du nivellement artistique par des mediums usités et revisité ou pâles copies d’illustres prédécesseurs.

Julien Porisse quant à lui dynamite la représentation de ses crânes vertigineux, étranges mais sans substance mortifère, en étale la matière, en fait au choix des formes suspectes ou des verticalités informes, des compressions d’aplats distincts et blanchâtres prêts à l’usage et envisageant l’appréhension véritable.
La couleur éclate, coule, explose, brouille le réel au point que le spectateur se perd dans un paradigme idéal et inédit.
Julien dramatise l’enjeu de ces propos, il surabonde les formes avec un appétit que quiconque n’oserait qualifier de commun ou de désuet. L’harmonieuse peinture de Julien fait douter le profane comme le critique le plus averti de la dimension de l’homme et de sa destinée créatrice.
Julien prépare ces toiles méticuleusement au moyen du dessin préparatoire et du croquis avant de les reproduire sur la toile. Le choix des couleurs se fait quant à lui dans l’instant et vise à donner à la toile une traduction libre et travaillée par la matérialité brute de la peinture mais soumise néanmoins aux aléas de l’inspiration et de l’instinct.


ANAN, Suzanne - USA
BARR, Tommy - IRL
BELL Kevin - USA
DUGGAN, Andrew - IRL
FALCONE, Sonia - Bolivia/USA
HAY, Graham - AU
HARKINS, Matthews John - USA
HUNTER, Sandra - USA

LYTTLE, Martin - IRL
LOFTUS, Belinda - IRL
LIU, Zejing - UK/CHINA
McLOUGHLIN, Catriona - IRL
NASSI, Krista  - Iran-USA
O CONNOR, Meadhbh - IRL
O DOWD, Gwen - IRL
OITICICA, Christina - Brazil
ORR, David - USA

ROLFE, Nigel - IRL
ROTH, Thomas Aaron - USA
SACHSE, Karla - Germany
TURK, Gavin - UK
VAN DER MEULEN, Ellen - The Netherlands
WALKER, Rhynes - IRL
WAROUR, Nasr - Dubai
WOLFRAM, Deva - Germany